Dal 24 novembre al 2 dicembre la 44ª edizione porta in città 120 film, 21 anteprime mondiali e un parterre internazionale di primo piano. Ma al di là delle star, da John Travolta a Isabelle Huppert, il cuore della manifestazione diretta da Giulio Base resta la scoperta del cinema d’autore. Dalla retrospettiva dedicata a Marilyn Monroe ai sedici film in concorso, la manifestazione propone uno sguardo sul cinema contemporaneo, tra nuove narrazioni, storie individuali e grandi questioni del nostro tempo».
Nove giorni, 120 film e un secolo di cinema da rileggere attraverso uno dei suoi volti più iconici. La 44ª edizione del Torino Film Festival, in programma dal 24 novembre al 2 dicembre, si presenta con un’ambizione precisa: coniugare il richiamo internazionale delle grandi star con la ricerca cinematografica, senza sacrificare quella vocazione alla scoperta che costituisce da sempre la sua identità. Un equilibrio tutt’altro che scontato, soprattutto in un panorama festivaliero nel quale la visibilità mediatica rischia spesso di diventare un fine più che uno strumento.
Sotto l’egida del Museo Nazionale del Cinema, presieduto da Enzo Ghigo e diretto da Carlo Chatrian, la manifestazione guidata da Giulio Base conferma una formula concentrata: 120 titoli, di cui 104 lungometraggi e 16 cortometraggi, selezionati tra oltre cinquemila candidature. Ventuno le anteprime mondiali, dodici quelle internazionali, nove europee e 45 italiane. Numeri che restituiscono la dimensione di un festival intenzionato a mantenere una propria riconoscibilità, privilegiando il cinema come esperienza da condividere in sala.
Non è un caso che anche l’assenza delle serie televisive venga rivendicata come una scelta identitaria. «Le star sono parte del programma, ma la colonna vertebrale del festival non cambia», ha sottolineato Base. L’idea è quella di una manifestazione nella quale ogni film abbia il tempo e lo spazio per essere incontrato. Nella presentazione del direttore, il festival viene paragonato a una galleria d’arte: un luogo da attraversare lentamente, lasciando che ogni opera trovi il proprio interlocutore. Una dichiarazione di poetica che, più che uno slogan, prova a definire il rapporto tra pubblico, autori e immagini.
Il festival delle star, ma il cinema resta al centro
L’inaugurazione del 24 novembre al Teatro Regio avrà il volto internazionale di John Travolta, che riceverà la Stella della Mole dalle mani di Giovanna Mezzogiorno. Con lui saranno premiati Maria de Medeiros, Stephen Frears, Mike Newell e Margarethe von Trotta. La cerimonia, condotta da Giulio Base e Ambra Angiolini, sarà accompagnata dalle voci bianche dei bambini, mentre sullo schermo arriverà in anteprima nazionale Novembre 1963 – L’assassinio di J. F. Kennedy, diretto da Roland Joffé.
La chiusura, il 2 dicembre, sarà invece affidata a Pamela Anderson, Fanny Ardant e Mira Sorvino, con la proiezione di Villeneuve: The Rise of a Legend di Yan Lanouette Turgeon, documentario dedicato alla figura del pilota canadese Gilles Villeneuve e al suo rapporto con la Ferrari.
Nel corso della manifestazione sono attesi anche Isabelle Huppert, Andy Garcia, Luc Besson e Josh Safdie, insieme a numerosi protagonisti del cinema italiano. Ma il punto non è soltanto la concentrazione di nomi celebri. La presenza degli ospiti acquista significato soprattutto nel dialogo con i film: ogni proiezione sarà introdotta da registi, interpreti, testimoni o critici, restituendo alla visione una dimensione di incontro e approfondimento.
Il Teatro Regio, scelto per l’apertura, diventa in questo senso qualcosa di più di una cornice prestigiosa. Base lo considera uno dei luoghi simbolo della città, capace di conferire alla serata inaugurale un’eleganza che appartiene alla storia culturale torinese. Un’immagine di rappresentanza che il festival utilizza per attrarre le proprie stelle, senza perdere di vista ciò che accade nelle sale nei giorni successivi.
Marilyn Monroe: il mito, il corpo, lo sguardo degli altri
Il cuore simbolico di questa edizione è Marilyn Monroe, nel centenario della nascita, avvenuta il 1° giugno 1926. Trentasei anni di vita, una carriera attraversata da trasformazioni profonde e un’immagine che continua a resistere al tempo, alimentando interpretazioni, riletture e nuove narrazioni.
La retrospettiva comprende 24 film e ripercorre il percorso dell’attrice dal 1948 al 1961, da Orchidea bionda a Gli spostati. Ci sono i titoli che hanno contribuito a costruirne il mito: Giungla d’asfalto, Eva contro Eva, Niagara, Gli uomini preferiscono le bionde, Quando la moglie è in vacanza, Fermata d’autobus e A qualcuno piace caldo. Opere che consentono di osservare non soltanto l’evoluzione di una star, ma anche quella di un’interprete spesso sottovalutata dalla critica del suo tempo, capace di attraversare commedia, melodramma e dramma con una sensibilità più complessa di quanto la sua immagine pubblica lasciasse immaginare.
La parte più interessante della retrospettiva, tuttavia, è quella che sposta il punto di osservazione: Marilyn non è più soltanto protagonista, ma diventa oggetto dello sguardo cinematografico, figura evocata, ricostruita e reinterpretata da altri autori.
È il caso di La rabbia, il film realizzato da Pier Paolo Pasolini e Giovannino Guareschi, nel quale trova spazio il celebre compianto pasoliniano dedicato all’attrice. Oppure di La signora in bianco di Nicolas Roeg, dove una figura femminile somigliante a Marilyn diventa il centro di una riflessione sulla relatività. In Norma Jean & Marilyn, film televisivo del 1996, il volto della diva è quello di Mira Sorvino, attesa a Torino per presentare il film insieme a Fulvia Caprara.
Completano il percorso Marilyn di Simon Curtis, il documentario Marilyn – I diari segreti di Liz Garbus e Blonde di Andrew Dominik, rilettura cupa e controversa del mito hollywoodiano.
È proprio in questo slittamento tra persona e personaggio, tra identità e rappresentazione, che la retrospettiva trova la sua ragione più profonda. Marilyn continua a essere una figura cinematografica perché la sua immagine non ha mai smesso di essere riscritta. Non è soltanto una diva da celebrare, ma un corpo simbolico sul quale il cinema ha depositato desideri, ossessioni e contraddizioni di un’intera epoca.
Un’attenzione particolare sarà riservata anche alla modalità di presentazione: tutte le 24 proiezioni saranno introdotte da donne, tra critiche, giornaliste e studiose. Il 27 novembre, all’Auditorium del grattacielo Intesa Sanpaolo, Giulio Base presenterà Giungla d’asfalto in una proiezione gratuita su prenotazione.
Il concorso: quando la Storia entra nei corpi
Se Marilyn rappresenta il tempo sedimentato nell’immaginario collettivo, il concorso lungometraggi guarda invece alle inquietudini del presente. Sedici film, dieci dei quali diretti da registe, compongono una selezione che attraversa geografie, conflitti e generazioni, senza rinunciare alla contaminazione dei linguaggi.
Una delle linee più evidenti riguarda il rapporto tra individuo e Storia. In Les Clochettes de Kaboul di Chabname Zariab, con Golshifteh Farahani, lo spettatore viene condotto a Kabul nel 2021, nel momento del ritorno al potere dei talebani. Thirteen in Gaza di Hosam Abu Dan sceglie invece il punto di vista di una ragazzina che affronta l’adolescenza in un campo profughi, mentre Krux di Tony Vahl riporta agli ultimi giorni della Seconda guerra mondiale in un villaggio della Germania orientale.
Tre prospettive differenti, accomunate da una stessa intuizione: la Storia non rimane confinata nei grandi eventi, ma si imprime nelle esistenze individuali, modifica i rapporti familiari e condiziona il modo in cui si cresce e si guarda al futuro. La guerra, in questi film, non è soltanto scenario, ma una presenza che invade la quotidianità.
Un’altra traiettoria riguarda il cinema di genere, che qui sembra trovare proprio nella contaminazione la sua possibilità più interessante. L’espèce explosive di Sarah Arnold parte da un’invasione di cinghiali nelle Ardenne per muoversi tra folk horror, commedia poliziesca e atmosfere grottesche. Un’operazione che i Cahiers du cinéma hanno definito «polar burlesque». La sudcoreana Jeong Hyo-jung, con The Fertilizer Home, trasforma invece una maledizione in un racconto horror che sembra interrogare anche il capitalismo e le conseguenze dell’inquinamento.
In Girl in the Night dello sloveno Luka Marčetić, un cleptomane incontra una ragazza segnata da misteriose ferite che sostiene di avere poteri soprannaturali. Mentre Butterfly di Itonje Søimer Guttormsen, con Renate Reinsve, segue due sorellastre che tornano a Gran Canaria dopo la morte dei genitori. Il film parte come un dramma familiare, attraversato da menzogne e gelosie, per spostarsi progressivamente verso il grottesco.
È un cinema che non sembra interessato a rispettare confini di genere troppo rigidi, ma che utilizza il perturbante, l’assurdo e l’ironia per raccontare le contraddizioni del presente.
La terza direttrice è quella dell’adolescenza e della ricerca di un’identità. In Truly Naked di Muriel d’Ansembourg, il figlio di un regista di film pornografici cerca di costruirsi una vita autonoma, liberandosi di un’eredità ingombrante. Los Nadadores di Sol Iglesias immagina quattro ragazzi che attraversano le ville abbandonate di una Buenos Aires infuocata, in un’estate che assume progressivamente i contorni di uno scenario apocalittico.
Più rarefatto è lo sguardo di The World Before di Yoon Dan-bi, che racconta un primo amore su un’isola, attraverso una sensibilità che richiama il cinema contemplativo di Ozu, Rohmer e Hou Hsiao-hsien.
A questa riflessione sull’identità appartiene anche l’italiano Il primo giorno di vita di Leonardo Revelli, figlio unico di Stefano Grasso. Francesco Gheghi interpreta un ventenne torinese costretto a confrontarsi con la malattia della madre, interpretata da Valeria Bruni Tedeschi, e con la fragilità del padre, cui dà volto Valerio Mastandrea. Una storia familiare che, attraverso una vicenda privata, interroga il passaggio all’età adulta e la scoperta di non essere necessariamente al centro del proprio mondo.
Completano il concorso L’ora più bella di Ernesto Maria Censori, Paradise di Jérémy Comte e Sugar di Amira Duynhouwer. La giuria del concorso lungometraggi sarà presieduta da Francesca Archibugi, affiancata da Alessandro Amato, Chiara Caselli, Vanja Kaludjercic e Kirill Serebrennikov. Al miglior film andrà un premio di 20mila euro.
Il documentario, storie e memorie dal mondo
Il concorso documentari attraversa storie personali e ferite collettive, con film che nascono da lunghi percorsi di osservazione e testimonianza. In La ilusión de un verano sin fin, Alessandra Sanguinetti segue per venticinque anni due cugine della Pampa argentina, mentre Mariinka di Pieter-Jan De Pue ricostruisce un decennio di vita nell’Ucraina orientale, prima dell’invasione russa del 2022. In If Pigeons Turned to Gold, Pepa Lubojacki racconta invece cinque anni trascorsi accanto al fratello e ai cugini senza fissa dimora.
La selezione comprende anche Seize moments de ma vie di Albert Serra, dedicato a un concerto di Ingrid Caven, Le Angelesse di Roberta Torre, che dà voce alle detenute di Bollate e San Vittore, La Berma, sul Sahara Occidentale, Le case spezzate di Tony Saccucci, sulle foibe, e La U di svanire di Augusto Contento, sui gulag. La giuria sarà presieduta da Stefania Casini.
Tra i sedici cortometraggi selezionati figura anche Blu oltremare, bianco perla e un pizzico di giallo miele, diretto da Francesco Gheghi, che sarà a Torino in una doppia veste: interprete e regista. La giuria sarà guidata da Chiara Francini.
Torino, una città che si racconta attraverso il cinema
Il rapporto con il territorio resta un’altra componente significativa della manifestazione. Tra i titoli che guardano direttamente a Torino figura il documentario di Mimmo Calopresti dedicato a Gianni Rondolino, storico critico e studioso, figura centrale nella costruzione della cultura cinematografica cittadina.
Marco Ponti firma invece Sguardi Casa Oz, mentre Heysel 85 riporta alla tragedia del 29 maggio 1985, quando 39 persone persero la vita prima della finale di Coppa dei Campioni tra Juventus e Liverpool. Film e testimonianze che restituiscono al festival anche una funzione di memoria collettiva, attraverso vicende che appartengono alla storia della città ma parlano a una comunità più ampia.
Nove giorni, una precisa idea di cinema
La 44ª edizione del Torino Film Festival sembra dunque costruire il proprio percorso attorno a una questione comune: il tempo. Il tempo breve delle nove giornate di manifestazione, quello di una vita intera racchiuso nell’immagine di Marilyn Monroe, quello della Storia che irrompe nelle esistenze, quello delle relazioni osservate dai documentaristi per anni.
È una prospettiva che tiene insieme opere molto diverse, senza cercare necessariamente un tema dominante o una formula rassicurante. Il valore della selezione sta proprio nella possibilità di accostare il cinema di genere alla ricerca autoriale, il racconto intimo alla tragedia collettiva, i grandi classici alle nuove voci internazionali.
Le stelle internazionali porteranno inevitabilmente attenzione e visibilità. Ma la vera scommessa del festival diretto da Giulio Base sarà un’altra: dimostrare che, in un’epoca dominata dalla velocità del consumo audiovisivo, esiste ancora spazio per un cinema che chiede tempo, ascolto e partecipazione. Perché un festival non si misura soltanto dai nomi che riesce a portare sul tappeto rosso, ma soprattutto dai film che riesce a far scoprire.
Vittorio Zenardi
